Safaa Erruas, Niklas Holmgren,Thomas Karlsson, Pauliina Pietilä, Ulrika Sparre, Martin Ålund
”The Summer Parlour” presents six artists, working with drawing, photography, sculpture, painting, paper, needle, and thread. Behind each individual work exists a journey in time, in thought, in history and in geography. We have had the pleasure of meeting and cooperating with these artists in their individual artistic processes, following their thoughts in both large and small projects at different times. Each individual work presented is a small part of a larger and ongoing whole. Now they meet in an unexpected common context and in an associative flow of thoughts from which new ideas and encounters can arise.
Safaa Erruas works with different forms of paper, thread, and needles as her main elements. Through the texture of the paper, she uses metal needles to break through the fragile surface of the paper, building organic structures that are reminiscent of skin, continents, and oceans. Her work is deeply rooted to her surroundings in Tetouan, Morocco, as well as to major, world-wide political events. The sharp needle bears witness to pain, both in contrast to the delicate surface of the paper and in forms reminiscent of fences and barbed wire. The needle is also a witness about one of the world’s oldest tools, used by women, sewing, creating and mending for thousands of years.
Safaa Erruas has attracted great international attention for her works and installations with their simultaneously ”soft” and ”hard” imagery. What may appear to be delicate, minimalist, and subtle, reveals a deep richness of narratives and contrasts. The works now presented were created in connection with a residency at IASPIS in Stockholm, summer 2023. She currently participate in the exhibition ”Unheald” (”Oläkt”) at Moderna Muséet in Malmö (until September 15, 2024). She has previously exhibited in Sweden in the exhibition ”Partir/Revenir” at the Royal Academy of Arts (Stockholm 2017)
Niklas Holmgren shows paintings from the series ”In Search of Ghosts” in connection with his solo presentation at Market Art Fair 2024 (May 17 – 19) with the same title. The paintings are based on the chamber play The Ghost Sonata by August Strindberg, a play that has been of great importance to the artist, not least a production from 2000 in which one of the roles was played by the actress Elin Klinga. In the series, he focuses on the passing of time and people he has met over the years in connection with his art.
Niklas Holmgren has previously also worked as a scriptwriter and film director. As in his films, he also works in his imagery to compress and frame an entire situation in a given moment. With great skill, he reproduces light, texture and materiality that recall artists such as Velasquez and Goya in both technique and psychology. The shifts between the present and the past, light and dark, happen in an instant. In all the paintings there are allusions between the play and the artist’s own memories that take place silently and create a dense and associative narrative, carried by a razor-sharp painting.
Thomas Karlsson’s three shimmering sculptures are shapes from a mammoth skeleton in a metal-like casing. In fact, they are made of paper, a material that Thomas Karlsson, like Safaa Erruas, explores and constantly returns to in new and unexpected forms. In the exhibition ”Samlingar”, which was previously shown at Galleri Flach and Katrineholms konsthall, he worked with giraffes, vultures and skulls in a paper technique inspired by origami. In these latest sculptures, part of a larger, upcoming series, the formal language is more abstracted and the references to skeletons rather a starting point than an end in itself.
For many years, Thomas Karlsson’s work has centred on public sculptures in which the encounter between animals and humans on different scales has been a key expression. His work deals with burning environmental issues and endangered species (including humans), but also with the surprising aspect of making art from unexpected encounters and recycled materials.
Pauliina Pieitlä has attracted considerable attention for her distinctive and realistic paintings, in which she depicts environments and interiors in special light. Now she uses photography as her starting point for the first time, and similarly capturing the mystery of reflections, shadows and glowing lights. Lines of neon mingle with the twilight of the sky while shadows of plants and furniture appear as black drawings. With titles such as ’Björns grejer’ and ’Bageriet’, she puts us in touch with a place, animated by a human presence. She places the viewer in the centre of a fascinating spatiality at a specific time and in a specific state. As part of a process, the photograph often exists as a sketch and a starting point for a transfer to painting. In these images, she gives us an idea of how such a process can take shape. Pauliina Pietilä is currently also featured in the exhibition Everything is Turning to Gold at Olseröd Art Centre.
Ulrika Sparre’s photographs are part of the larger work, the triptych – Ear to the Ground – in which the artist explores the inner forces, energies, and narratives of nature through various expressions and exhibition forms. At the centre of her explorations are the formations of mountains and rocks, whose inner expressions and properties are highlighted in the relationship between man and nature.
Ulrika Sparre’s artistic practice is characterised by a deep fascination with stone as both geological and spiritual matter. She discovers sounds and experiences embedded in the stone that she believes can communicate with us humans if we take the time to listen. Ulrika has explored mountain landscapes and nature while travelling in different parts of the world: in the Stockholm archipelago, in the caves of nomadic peoples in South Africa, through the desert of Death Valley in Southern California and along the hiking trails of the artist Albert Giacometti in the Swiss Alps. She has recently completed the final part of the work, the film Ear to the Ground (Golden Monolith & Black Monolith): an existential dialogue between her own interpretation of nature’s voices and Giacometti’s memories.
Marin Ålund shows a new series of watercolours entitled Studies in Tranformation, created during a trip to Goa in India in the winter of 2024. Through light and colour, he experiences a landscape that gives him associations to his own painting. While working with watercolour, the motifs emerge as if through an inner motion, imbued with warmth and attentive to the atmosphere, shifts and details.
Despite the apparent lightness of touch, he reflects on the meaning of depicting an unfamiliar environment through colour and form. He also describes how the outer world intrudes and merges with his inner imagery and thoughts. He sees the surroundings through the work of his hands, an experience he finds similar to a dance.
Both the landscape and the physical experience of painting, which he sometimes describes as a ritual movement, are important starting points in Martin Ålund’s artistiry. But there is also a focus on the material itself and the alchemical process that can occur between colours. All these dimensions are present in the series.
IN SWEDISH
I ”Sommarens Salong” presenteras sex konstnärer som uttrycker sig genom teckning, fotografi, skulptur, måleri, papper, nål och tråd. Bakom varje enskilt arbete finns en resa i tid, i tanke, i historia och i geografi, den verkliga och den mentala. Vi har haft glädjen att möta dessa konstnärer i deras enskilda arbetsprocesser, och fått följa deras tankar i både stora och små projekt vid olika tidpunkter. Varje enskilt verk som presenteras är en liten del av en större och pågående helhet. Nu möts de i ett oväntat gemensamt sammanhang och i ett associativt flöde av tankar ur vilka nya meningar kan ta form.
Safaa Erruas arbetar med olika former av papper, tråd och nålar som bärande element. Genom papprets ljusa, fragila textur bryter nålar igenom i hård metall. Hon bygger upp ett slags landskap och organiska strukturer som erinrar om både hud och om kontinenter, jordskorpa och hav. De knyter an såväl till hennes egna rötter i Tetouan, Marocko som till stora, politiska skeenden som pågår omkring. Den vassa nålen vittnar bland annat om smärta, såväl i kontrast mot papprets känsliga yta och i former som påminner om stängsel och taggtråd. Men hon vill också berätta om nålen som ett av världens äldsta verktyg, brukat av kvinnor vars händer har sytt, skapat och lagat i tusentals år.
Safaa Erruas har rönt stor internationell uppmärksamhet för sina verk och installationer med sitt på en gång ”mjuka” och ”hårda” formspråk. Det som på ytan kan framstå som skirt, minimalistiskt och finstilt, röjer en djup rikedom av berättelser och kontraster. Verken som nu presenteras kom till i samband med ett residency på IASPIS i Stockholm, sommaren 2023. Hon är just nu aktuell i utställningen ”Oläkt” som visas på Moderna Muséet i Malmö (pågår t.o.m 15/9 2024). Hon har tidigare visat arbeten i Sverige i utställningen ”Partir/Revenir” på Konstakademien (Stockholm 2017.)
Niklas Holmgren visar målningar ur serien ”In Search of Ghosts” i samband med sin solo presentation på Market Art Fair 2024 (17 – 19 maj) med samma titel. Målningarnas motiv tar avstamp i kammarspelet Spöksonaten av August Strindbergs, en pjäs som för konstnären har haft stor betydelse, inte minst en uppsättning från år 2000 i vilken en av rollerna spelades av skådespelerskan Elin Klinga. I seriens samtliga målningarna riktar han sin koncentration mot tidens rörelse och personer som han har mött genom åren med anknytning till sitt konstnärskap.
Niklas Holmgren har tidigare även arbetat med att skriva manus och regissera film. Såsom i filmerna arbetar han även i måleriet med att komprimera och ringa in en hel situation i ett givet ögonblick. Med stor skicklighet återger han ljus, stofflighet och materialitet som för tankarna såväl i teknik som psykologi till konstnärer som Velasquez och Goya. Växlingarna mellan samtid och dåtid, ljus och mörker sker i ett ögonblick. I samtliga målningar finnas anspelningar mellan pjäsen och konstnärens egna minnen som pågår i det tysta och skapar ett förtätat och associationsrikt narrativ, buret av ett knivskarpt måleri.
Thomas Karlssons tre skimrande skulpturer som nu visas är former ur ett mammut-skelett i ett hölje som liknar metall. I själva verket är de utförda i papper, ett material som Thomas Karlsson i likhet med Safaa Erruas utforskar och ständigt återkommer till i nya och oväntade gestaltningar. I utställningen ”Samlingar” som tidigare visats på Galleri Flach och Katrineholms konsthall arbetade han bland annat med giraffer, gamar och dödskallar i en pappersteknik med inspiration hämtad från origami. I dessa senaste skulpturer, en del av en större, kommande serie, är formspråket mer abstraherat och referenserna till skelett snarare en utgångspunkt än ett mål i sig självt.
Thomas Karlssons har under många år framför allt arbetat med offentliga gestaltningar där mötet mellan djur och människa i olika skalor har varit ett bärande uttryck. Hans arbete handlar om brännande miljöfrågor och om hotade djurarter (människan inräknad) men också om det överraskande i att göra konst av oväntade möten och återbrukat material.
Pauliina Pieitlä har rönt stor uppmärksamhet för sitt egenartade och realistiska måleri där hon gestaltar miljöer och interiörer i speciella ljussken. I de bilder som nu visas utgår hon i stället från fotografi, där hon på ett liknande sät t återger mystiken i speglingar, skuggor och ljussken som uppstår genom kvällsljus och eldsljus i mörker. Streck av neon blandas med himmelens skymning, skuggor av växter och rummens möbler avtecknar sig som svarta teckningar. Med titlar som ”Björns grejer” och ”Bageriet” sätter hon oss i kontakt med en plats, besjälad av en mänsklig närvaro. Hon låter betraktaren befinna sig mitt i en fascinerande rumslighet vid en viss tidpunkt och i ett specifikt tillstånd. Som en del av en process finns ofta fotografiet som en skiss och en utgångspunkt för en överföring till måleriet. I dessa bilder låter hon oss ana hur en sådan process kan ta form. Pauliina Pietilä är just nu även aktuell i utställningen Everything is Turning to Gold på Olseröds konsthall.
Ulrika Sparre fotografier som nu visas ingår i det större arbetet, triptyken – Ear to the Ground – i vilket konstnären genom olika uttryck och utställningsformer undersöker naturens inre krafter, energier och berättelser. I centrum för hennes utforskningar står bergens och stenars formationer vars inre uttryck och egenskaper lyfts fram i relationen mellan människa och natur.
I Ulrika Sparres konstnärskap finns en djup fascination inför stenen som både geologisk och andlig materia. Hon upptäcker ljud och erfarenheter inbäddade i stenen som hon menar kan kommunicera med oss människor om vi tar oss tid att lyssna. Ulrika har gjort sina efterforskningar i berglandskap och naturområden på resande fot i olika delar av världen: i Stockholms skärgård, i nomadfolkens grottor i Sydafrika, genom öknen Death Valley i Södra Kalifornien och längs med konstnären Albert Giacomettis vandringsleder i schweiziska alperna. Hon har nyligen sammanställt den sista delen i verket, filmen Ear to the Ground (Golden Monolith & Black Monolith): en existentiell dialog mellan hennes egen tolkning av naturens röster och Giacomettis minnen.
Marin Ålund visar en ny serie akvareller med titeln Studies in Tranformation som tillkom under en resa till Goa i Indien vintern 2024. Genom ljus och färger upplever han ett landskap som ger starka associationer till det egna måleriet. Han målar i akvarell och motiven växer fram som genom en inre rörelse, genomlyst av värme och uppmärksamt på atmosfären, skiftningar och detaljer.
Trots det till synes lätta anslaget reflekterar han över meningen med att avbilda en för honom obekant miljö genom färg och form. Han beskriver samtidigt en stark känsla av närvaro, hur den yttre världen tränger sig på och smälter samman med hans inre bildvärld och tankar. Genom akvarellerna ser han omgivningen genom handens arbete, en upplevelse han också liknar vid en dans.
Såväl landskapet som den fysiska upplevelsen av att måla, som han ibland beskriver som en rituell rörelse, är viktiga utgångspunkter i Martin Ålunds konstnärskap. Men där finns också ett fokus på själva materian och den alkemiska process som kan uppstå mellan färger. I akvarellerna som han nu visar finns alla dessa dimensioner närvarande.